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sábado, 3 de julio de 2010

Rocio de la Villa, arte y feminismos, el activismo y lo público

http://www.estudiosonline.net/texts/lavilla.htm
altamente recomendable
http://rociodelavilla.blogspot.com/

(...)

Subversión a través de la mirada sexuada, pero también a través de las técnicas productivas-colaborativas, en mi opinión, el feminismo expandido sigue desempeñando con opciones plurales el papel de contrapoder fáctico que el arte aún hoy puede ofrecer como espacio residual de reflexión, organización y acción frente a la política del aislamiento de los individuos. Incluso rentabilizando paradójicamente las funciones asignadas por la dominación patriarcal: como sujeto tradicional de las "tácticas" ocultas y cotidianas de la necesidad y también de los placeres característicos de los sometidos, como signo o instrumento utilizado en el intercambio de los valores simbólicos, como sujetos expulsados del ágora. Esa nostalgia por el retorno debería contribuir, como proponía Foucault, no sólo "simplemente a defendernos, sino también a afirmarnos, no sólo como identidad, sino también en tanto fuerza creadora: (...) Debemos crear placeres nuevos" (Entrevista,1982). Las transformaciones del arte en el presente han de engrosar ese elenco.


*Conferencia impartida en El Escorial, Madrid, 31 de julio de 2001.

lunes, 15 de febrero de 2010

Freeze Frame, Marco Congelado

"Siempre ha habido dos impulsos - el estético y el político- y ambos llegan juntos cuando hago mi trabajo: mi necesidad de crear formas es uno de los impulsos, también la rabia ante la injusticia, ambos resultan en un deseo por comunicarme a través de la diferencia, para lograr cierta conectividad a través de la empatía. Lo que me encanta son los momentos estéticos: de otro modo, no haría este tipo de trabajo. Haría directamente política"
Suzanne Lacy
In Moira Roth; "Suzanne Lacy: Between Aesthetics and Politics" (Flitridge Foundation Awards, 1999-2000. Pasadena: Flitridge Foundation, 2000. p 26)

Una de las piezas que yo llamaría "conversation piece", y que auna estos dos impulsos, tuvo lugar en San Francisco en 1982. Lo estético, o el impulso estético concebido como la organización de un acto de comunicación, y la forma estética como una categoría que no tiene por que ser percibida por la vista, y solo por la vista. Lacy insiste e insiste en muchos de sus textso en el arte de escuchar. En ese 1982 realizaría Freeze Frame, en Agosto. En este performance Suzanne "juntó" diecisiete diferentes grupos de mujeres - prostitutas, monjas, jugadoras de bridge, Filipinas, artistas de la Mission de San Francisco, mujeres con discapacidades, empresarias, ancianas judías - tods se encontraran en un elegante showroom bien amueblado de San Francisco con el objetivo de hablar de sus vidas y de un tópico, "la superviviencai al día". Moira escribirá "¿Una Familia de Mujeres?, una evolución poetica de la evolución de la pieza.

Lacy, por otra parte, escribirá "Beneath the Seams", un sobrio texto de autoexamen. En este, dará a Freeze Frame su lugar en el contexto de sus eventos publicos masivos de esos años, en los que mujeres de diversa procedencia se "juntan" - las más notables a este respecto serían River Meetings, Lives of Women in the Delta, un performace-acción de 1980 de Nueva Orleans creado por LAcy, Jeanne Nathan y Laverne Dunn, junto con muchas otras mujeres, que se referirán al fallo de Louisiana de ratificar el "Equal Rights Amandment". River Meetings ha ido evolucionando a partir de un proceso de creación de comuindad, tan característico del trabajo de Suzanne Lacy (en este acso se trató de una cadena de cenas privadas en las casas de als mujeres), y terminó en un magnífico "potluck performance event" (cada uno trae una cosa, es una costumbre judia, como una puchero feliz, o algo así). Este performace de puchero feliz unió a 500 mujeres en un edificio histórico del Barrio Francés, the Old Mint Building. Tal y com Lacy lo describiría en su momento: "Teníamos jovenes y ancianas, ricas y pobres, negras y blancas, todas sentadas juntas y sintiéndse enormemente orgullosas y felices de su historia colectiva y de sus logros conseguidos"


[i] Lacy first published the text in the “Speak Easy” guest commentary column of New Art Examiner, October 1982; it is reprinted in this volume (chapter 15) under its original title, “Beneath the Seams.”. [ii] Lacy’s description of the “Battle of New Orleans,” first published in High Performance 3, no. 2 (Summer 1980) and reprinted in this volume (chapter 14), contains intriguing questions: “When feminist artists plan a political conference with a performance theme, where does the art making end and the life making begin? Can a conference be a performance?” The Women’s Caucus for Art invited her, in 1979, to design a performance for their annual conference, scheduled the following year for New Orleans, a city in a state that had not ratified the Equal Rights Amendment. iii] Lacy, interview by Moira Roth, “Visions and Revisions,” Artforum 19, no. 3 (November 1980): 45.

domingo, 14 de febrero de 2010

victims of social isolation

Victims of Social Isolation

Elderly women
Sanitation workers
Homeless citizens
Drug addicts
Bankers
Politicians
Black African Americans
Folk singers
Plant workers
Immigration workers
Teachers
Models
Presidents
CEOs
Appalachian citizens
Hotel Managers
Hookers
Pimps
Gamblers
Church folk
Family
Musicians
Poets
Poets
Lawyers
Teenagers
Girls
Boys
Models
Scouts
Carnival ride attendants
Bus riders
Limo drivers
Grave diggers
Africa
Newland, North Carolina
Small businesses and Jockeys
Tom Waits
Iraq
San Diego Zoo
Animals
My brother who lives in Heaton, NC
The person at the 24hour Fitness
24 Hour fitness
THE DMV
Courthouses
Some bars
Gays
Illegal migrants

This list is very extensive and lends itself to a level of reflection. The three artists chosen are focusing on three elements from this list:
1) Elderly women (Suzanne Lacy)
2) Homeless citizens (Hope Sandrow)
3) Menial jobs (Mierle Landerman Ukeles)
http://www.urbis.com/media/view/109775/about-two-women-artists

Lacy Questions

What sites—galleries or public spaces—are the most effective for staging these performances, and which audiences does one want to reach?


Should one attempt to create public awareness with mass media, in an audience not physically present at a performance? And if so, how?


How does one represent these live performances as subsequent exhibitions in museums and galleries?


How can one encourage the continuing impact of “new genre public art” within a community once the “outsider” artist has left?


Can art lead to substantial social change?


In this work, is there a point of departure from “art” into life?

jueves, 31 de diciembre de 2009

Kant and the enlightment

Kant envisions a public forum where powerless subjects would have the right to enter into critical debate about political matters, and to do so in such ways as to make the absolutist state accountable to its enlightment public. In this schema, enlightment does much more than encourage individuals to think for themselves. The process of enlightment aspires to negociate political agency, to grant a public of politically powerless enlightment intellectuals influence in the process of goverment. Enlightment is not just about racional-critical debate. It also aspires to some model of political action. As Kant defines it, enlightment always attempts to politize itself.

Jobathan M. Hess
Enlightment, Public Culture and the Invention of Aesthetic Autonomy

jueves, 12 de noviembre de 2009

martes, 3 de noviembre de 2009

Moscú, 16 de enero de 1918

Ese día, el mismo que el de mi cumpleaños, por cierto, un tribunal popular presidido por el comisario de Instrucción Pública Anatoly Lunacharsky decidió juzgar a Dios por sus crímenes contra la Humanidad.

Cargos: genocidio.
Duración del juicio: 5 horas.
Banquillo: una biblia.
Fiscales: pruebas de culpabilidad basadas en testimonios históricos.
Defensores: argumentos en favor de la inocencia de Dios, y petición de absolución aduciendo grave demencia y desarreglos psíquicos. (desestimada petición)
Tribunal Popular: culpable
Sentencia: Dios fue condenado a morir fusilado a las 6:30 horas del 17 de enero de 1918.

La sentencia fue ejecutada por un pelotón de fusilamiento que disparó cinco ráfagas de ametralladora contra el cielo de Moscú...

¿arte público?

La Concatenación del Arte y la Revolución

En las fantasías políticas de cierta "totalidad", como tanto Wagner como Lunacharsky tienden a proponer, no sólo se clama por la fusión de todos los géneros artísticos en una total gesamtkunstwerk, sino, y también, ser tarta de poner a prueba la integración de "las masas de gente" -todavía dentro de cierto marco cultural-. La estetización de lo político encuentra su eco en el entusiasmo de Lunacharsky para la "acción global" del espectáculo de masa,s que necesariamente produciría efectos de jerarquización, estructuralización y totalización. En una fase temprana y en una sorprendente formulación, Walter Benjamin señalará no solamente esta relación instrumental entre lo estético y lo político, sino que en la primera versión del ensayo "Trabajo de Arte" ya había llamado la atención sobre los intentos fascistas de una organización estética de las masas y subrayará que especialmente la reproducción en los medios de masas de esas mismas masas se acomodaba de modo particularmente eficiente a las estrategias fascistas para estetizar la vida política: el fascismo le da a las masas no el derecho, sino la oportunidad de expresarse" (express themselves)

Esto es precisamente lo que está en juego cuando se "integra" a las masas por medio del arte, no solamente desde Riefenstahl hasta la contemporánea producción de masas, sino que ya aparece conceptualizado por Wagner y Lunacharsky. Este tipo de conjunción integradora de la masas y el arte no genera conjuntos de singularidades, no organiza concatenaciones que busquen cambiar las circunstancias de producción. En su lugar elimina las diferencias, territorializa, segmenta y estría el espacio, logrando una uniformidad en las masas a través de los medios del arte. En su ensayo, Lunacharsky incluso llega a expresar su entusiasmo por este esfuerzo unificado bajo el espíritu de la paz mundial: "Tan solo piensa en el carácter que tomará nuestra festividad cuando, por medio de la Instrucción Militar General, creemos masas que se muevan rítmicamente miles y cientos de miles de personas - y no solo una multitud, sino una estrictamente regulada, colectiva, pacífica armada sinceramente poseída por una única y definitiva idea". Unos diez años después, particularmente en contra del éxito de los eventos masivos de los fascistas, Benjamin escribirá lacónicamente: "Todos los esfuerzos para hacer que la política sea estética culminan en una sola cosa: guerra". Y la idea de Wagner de una confusión totalizadora del arte y la vida lleva exactamente ese camino - también como precursor de posteriores conceptos totalitarios: "Las tragedias se convertirán en celebraciones de la humanidad; liberadas de toda convención y de toda etiqueta, el ser humano libre, bello y fuerte celebrara las delicias y los sufrimientos de su amor en ellas, llevando a termino el gran sacrificio del amor con su muerte en dignidad y sublimidad".

Contrario a esos modelos de una total confusión entre el arte y la vida, este libro investiga las prácticas, aquellas que emergen en zonas vecinas, en las que las transiciones, los solapamientos y las concatenaciones de arte y revolución se hacen posibles por un tiempo limitado, pero sin síntesis ni identificación. Todas las prácticas de , o en , secuencia, desde la metamorfosis desde artista a político-artista de Gustave Courbet en la Comuna de París a los continuos paseos de los Situacionistas tomados como planes contrarios al diseño patrón de una síntesis entre el arte y la vida. Lo mismo podría apuntarse para la presumida subordinación, la jerarquía de la revolución y el arte en el Soviet Proletkult, o la inconmensurable yuxtaposición del arte y la revolución, tal y como ocurrió en la colisión entre el Accionismo Vienés y los estudiantes activistas del 1968 como una concatenación negativa.

Lo que queda por debajo de este tipo de "secuencias", "jerarquías" y "yuxtaposiciones" son los solapamientos temporales, los intentos micropolíticos en la concatenación trasversal de als máquinas artísticas y las máquinas revolucionarias (...)

Raunig Gerald, Art and Revolution. Transversal Activism in the Long Twentieth Century. the MIT Press, 2007.

lunes, 2 de noviembre de 2009

Ornamento de masa



Así el programa utópico de la estética modernista fue realizado en un giro irónico por los gobiernos totalitarios. La audiencia entrará en las obras de arte, se convertirán, de hecho, en la misma obra de arte, pero sólo como lo apunta Siegfried Krakauer
como
“ornamentos-masa”, “ornamentos humanos”, que denotan, “la omnipresencia del dictador”[1] . Pero esta ornamentación humana no se encontrará solamente en la Alemania Nazi. Krakauer empleará por vez primera el término "ornamento humano" en 1927, para describir a unas chicas de un coro americano muy populares en Alemania. Para Krakauer está forma de danza, basada en una reproducción simultanea de pasos y gestos por una fila de actrices, representaba la moderna degradación del individuo en un mero piñón de la maquinaria social: en tales espectáculos el ser humano "se construye como un mero bloque, nada más". La construcción de un edificio dependerá del tamaño de cada piedra y del número de piedras. Es la masa lo que hace el impacto final. Sólo como partes de esa masa, no como individuos que son en sí mismos una unidad desde dentro, los humanos se compondrán como un diseño. Lo que Taut había soñado, un gran edificio compuesto por individuos como bloques de construcción, Krakauer lo ve ya logrado en la regimentación del capitalismo, que habría de ser sencillamente radicalizada para llegar a ser el espectáculo Nazi.

(fragmento M.North:
"The Public as Sculpture: From Heavenly City to Mass Ornament", Critical Inquiry 16 (Summer 1990)

[1] Krakauer, Siegfried: De Caligari a Hitler: Una historia Psicológica del cine alemán. Paidós comunicación, Barcelona, 1982. Pp. 94-95

Bertolt Brecht Kriegsfibel: War Prime

Kriegsfibel (literalmente, War Primer) es una colección de lo que Bertolt Brecht llamó "epigramas fotográficos" - cuatro líneas de versos subtitulan infinitas fotografías sacadas de revistas y periódicos. Casi todas se compusieron durante la II Guerra Mundial, mientras que Brecht vivía en Escandinavia y en los Estados Unidos exiliado de la Alemania Nazi. SErá editado por su colaborador Ruth Berlau en la RDA, donde Brecht vivirá desde 1949 hasta su muerte en 1956. No será traducida al inglés hasta el 1998.

El título, "War Primer", recuerda a los libros de textos que emplearan en educación primaria para enseñar a los niños a leer. El objetivo de estos epigramas era enseñar alfabetización visual. Berlau escribirá en su nota introductoria: "La gran ignorancia que concierne a las relaciones sociales, una ignorancia nutrida cuidadosa y brutalmente por el capitalismo, reduce a millones de fotografías que ilustran la prensa a jeroglíficos que son indescifrables para el lector poco atento". Como los antiguos jeroglíficos la fotografía de prensa resulta "indescifrable" para todos aquellos que no tengan el ojo entrenado . El libro de Brecht se ofrecerá así como un manual práctico, demostrando como "leer" o "traducir" la fotografía de prensa.

War Primer se podría concebir como la "transformación funcional" de la fotografía de prensa al añadirle un texto revolucionario alternativo creado por el mismo Brecht. Pero quizá sea algo más allá. Si la elección precisamente del epigrama quisiera sugerir antiguas inscripciones, entonces la fotografía de prensa podría concebirse como una suerte de ligeros monumentos portátiles, estatuas antiguas o edificios para servir a los cuales los epigramas fueron, precisamente, inventados. De este modo, War Primer se transformaría en una colección de monumentos portátiles, memoriales aplanados de la II Guerra Mundial. Una colección que registraría la respuesta de Brecht a dos fenómenos contemporáneos: la proliferación de los monumentos para conmemorar la I Guerra Mundial y el rápido desarrollo de los mass media, ambos sucedidos en los años 20

En el proyecto de Brecht no hay héroes, ni hay estatuas, ni piedra, ni bronce, ni tan siquiera un estuco temporal. Lo que hay son papeles, imágenes de papel recortadas de los periódicos y de las revistas. Para Krakauer, tales efímeras fotografías son una ayuda para no olvidar. Para Brecht, si embargo, tienen un valor potencial de uso. Combinadas con sus epigramas, las fotografías, que han sido cuidadosamente seleccionadas, se convierten en monumentos, una ayuda para un "recordar crítico".

DAVID EVANS teaches the history and theory of photography at The Arts Institute at Bournemouth and The Surrey Institute of Art and Design, His publications include John Heartfield: AIZ/VI 1930-38 (New York: Kent Fine Art, 1992).
http://findarticles.com/p/articles/mi_m2479/is_5_30/ai_99309203/?tag=content;col1